Bundeskanzler Merz empfängt Modebranche

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Stand: 15.07.2026, 18:19 Uhr

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Fashion Week Berlin: Designerinnen und Designer zeigen ihre Arbeiten in der ganzen Stadt. © Andreas Hofrichter

Modeschauen und Präsentationen, Pop-up-Shops und Store Events, Ausstellungen und Performances – und ein Empfang im Bundeskanzleramt: vier vollgepackte Tage in Berlin im Geiste der Mode.

Die Bilanz dieser vier Tage Anfang Juli zeigt das stetige Wachstum der Berlin Fashion Week: Auf mittlerweile 53 Modenschauen und 62 Side Events zeigten die Modedesignerinnen und -designer ihre Arbeiten in der ganzen Stadt – von Weißensee bis Westend, von Tiergarten bis Tempelhof, von Friedrichshain bis Friedrichsfelde.

Das Format Raum.Berlin fand zum dritten Mal statt. Hier präsentierten insgesamt 16 Modedesignerinnen und -designer an vier Tagen ihre Kollektionen und Visionen im 16. Stockwerk des John-Jahr-Hauses. Besonders an diesem Format ist die Zugänglichkeit und Nahbarkeit der gezeigten Mode: Fachpublikum, aber auch die Öffentlichkeit haben die Möglichkeit, mit den anwesenden Designer:innen ins Gespräch zu kommen und deren Mode zu begreifen – im wahrsten Sinne des Wortes.

Zum ersten Mal zu sehen war vollständig KI-generierte Mode: Taskin Goec überträgt die Prinzipien traditioneller Handwerkskunst in die digitale Welt und verwischt so die Grenzen zwischen digital und analog. Ausgebildet in Mode- und Couture-Techniken entwirft der Designer keine Kleidung, sondern eigene Welten.

Natürlich kam das Kernthema der Berliner Modewoche nicht zu kurz: Nachhaltigkeit. Anne Bernecker präsentierte ihre Arbeit im Rahmen von Raum.Berlin in Form einer Ateliersituation. Hier bekam man einen Eindruck von der handwerklichen Kunstfertigkeit, mit der das Label sehr gut erhaltene Vintage-Kleidung upcycelt. Laura Gerte zeigte auf ihrer Show, welch spannende Kreationen sich aus ausschließlich recycelten Materialien fertigen lassen. Um nur zwei zu nennen.

Selbst auf Bundesebene wurde Mode zum Thema: Am zweiten Tag der Berlin Fashion Week luden Gitta Connemann, Parlamentarische Staatssekretärin im Bundesministerium für Wirtschaft und Energie, und Wolfram Weimer, Staatsminister für Kultur und Medien, zum Empfang ins Bundeskanzleramt. Auch Bundeskanzler Friedrich Merz nahm an der Veranstaltung teil. In seiner Rede betonte Weimer nicht nur die wirtschaftliche, sondern auch die gesellschaftliche Bedeutung der Mode für Deutschland: „Mode ist Hochkultur.“

MARKE

Mario Keine hinterfragt immer wieder klassische Referenzen. © Andreas Hofrichter

Immer wieder hinterfragt Mario Keine, der Kopf hinter dem ㈠Label, die für ihn typischen historischen Referenzen und setzt sie in seinen Entwürfen durch konzeptionelle Reduktion in neue Zusammenhänge. In der Show „Relics & Remnants“ ergeben T-Shirts mit „Schwalbenschwanz“, verschobene Proportionen, Details wie ein an den Hosenbund an- und abknöpfbarer „Kummerbund“ ein elegantes Gesamtbild.

Kasia Kucharska

Kucharska verbindet ihre avantgardistische Handschrift mit hoher Tragbarkeit. © Judith Kohl

Die Gewinnerin des ersten ㈠Mode-Nachwuchspreises, ausgelobt von „Vogue“ und dem Fashion Council Germany, zeigt mit ihrer Präsentation erneut, dass sie eine der innovativsten Stimmen nicht nur der Berliner Modeszene ist.

Vertraute Kleidungsstücke wie Hosen, Jeansjacken, Shirts oder Pullover wirken auf den ersten Blick alltäglich. Schaut man sich die Kreationen aber näher an, entpuppen sich diese als aufwendig handgefertigte Latex-Kreationen. So verbindet Kucharska ihre avantgardistische Handschrift mit hoher Tragbarkeit.

Kilian Kerner

Fragil und trotzdem selbstbewusst: die Mode von Kilian Kerner. © Sebastian Reuter

Mit seiner auf persönlichen Erfahrungen der letzten Monate basierenden Kollektion „Burning Symphonie“ erzählt der ㈠Designer von Schmerz, Verlust und der Kraft, nach schwierigen Zeiten neu zu beginnen.

Gezeichnete Models sieht man auf dem Laufsteg – wortwörtlich: das Make-up von Tränen verschmiert, „janusköpfige“ Kleidung –, teils intakt, teils bewusst mit Brandflecken versengt. Die präsentierte Fragilität zeigt sich trotzdem selbstbewusst: Gürtel als Schmuckelemente lassen Haltung bewahren, Glitzer und Tiaras feiern den Neubeginn.

William Fan

Mit seiner Kollektion „Ring the Bell“ erweitert William Fan seine Designsprache. © FAMILY RESORT

Mit seiner Kollektion „Ring the Bell“ erweitert William Fan seine Designsprache: Skulpturale Plisséarbeiten verleihen den von ihm in den Wilhelm-Hallen präsentierten Looks eine plastische, fast architektonische Qualität.

Opulentes Layering, Materialvielfalt aus unter anderem Samt, Cord, Leder und technischen Stoffen, Details wie dreifache Kragen oder Perlenakzente schaffen eine Balance aus ㈠Eleganz und Alltag und feiern Individualität und Handwerk ebenso wie die für den Designer typische zeitlose Tragbarkeit seiner Mode.

Milk of Lime

Mode als Ausdruck von Wandel, Erinnerung und Widerstandskraft. © Judith Kohl

Auch das deutsch-belgische Designduo präsentiert mit „Ashes“ eine Kollektion, die Gegensätze wie Zerstörung und Neubeginn miteinander verbindet.

Bewusst unperfekte Texturen, wie aus zerrissener Seide entstandene Strickwaren, und das Zusammenspiel von transparenten mit Wollstoffen spiegeln die melancholisch-romantische Ästhetik von Milk of Lime wider. Mode als Ausdruck von Wandel, Erinnerung und Widerstandskraft.

Mariusz Przybylski

Klassische Formen neu zu interpretieren ist die Stärke des polnischen Designers. © Filip Okopny

Klassische Formen neu zu interpretieren, ist die Stärke des polnischen Designers. Präzise Schneiderkunst, fließende Silhouetten und die reduzierte Farbpalette zeigen, wie zeitgemäß Eleganz sein kann.

Klare Linien schaffen Ruhe und geben Raum für raffinierte Details, die den Looks individuelle Spannung verleihen: So scheint zum Beispiel der dazugehörige Blazer zur Anzug㈠hose kunstvoll dekonstruiert um die Taille gebunden zu sein. Hohe Schneiderkunst, die überrascht.

Martin Quad

Das Label Martin Quad denkt Mode neu. © FinneganKoichiGodenschweger

Martin Juncker, dänischer Designer und Gründer des Labels Martin Quad, denkt Mode neu. Durch seine Mischung aus Tradition, Dekonstruktion und Innovation lässt er uns altbekannt Kleidungsstücke neu wahrnehmen. Hosenanzüge als Einteiler, in die Länge gezogene Hosenbünde, umgekrempelte Hosen㈠säume auf Kniehöhe: In präziser Schneiderkunst kommen Nonkonformität und Tragbarkeit auf überraschende und spannende Weise zusammen.

Fruché

Frank Aghuno präsentiert mit seiner Kollektion „Kleg“ zeitgenössische afrikanische Mode jenseits von Klischees. © Judith Kohl

Der nigerianische Designer Frank Aghuno präsentiert mit seiner Kollektion „Kleg“ zeitgenössische afrikanische Mode jenseits von Klischees. Die Kombination von Gingham ㈠(Karostoff) mit traditionellen nigerianischen Textiltechniken wie aufwendig gewebtem Aso Oke und handgefärbtem Adire, von klassischen Schnitten und tief verwurzelter afrikanischer Handwerkskunst, dazu Asymmetrie, verzerrte Proportionen und überlange Ärmel ergeben ein spannendes Zusammenspiel. Ein Höhepunkt: die Kleider aus Holz-Chimes, deren klappernder Klang die gesamte Halle erfüllt.